نوشته‌ها

قدم های اول برای شروع ساخت آهنگ چیست ؟ آهنگسازی و تنظیم حرفه ای

قدم های اول برای شروع ساخت آهنگ چیست ؟ آهنگسازی و تنظیم حرفه ای

 

۳ گام اساسی در آهنگسازی برای ساخت یک آهنگ چیست؟

ساخت یک آهنگ خوب، زنده و جالب هدف هر موزیسین و آهنگسازی است. با این حال، قبل از اینکه شما نگران تولید یک

آهنگ خوب باشید باید ابتدا اصول اولیه آهنگسازی را بدانید تا بتوانید اقدام به ساخت و نوشتن یک آهنگ جذاب و زیبا کنید.

در این مطلب ۳ گام اساسی در آهنگسازی را برای شما شرح می دهیم.

یک روش ساده برای نگاه کردن به یک آهنگ این است که آن را همانند یک خانه تصور کنید. ظاهر هر خانه ای متفاوت

است، اما تمام خانه ها سه بخش کلیدی دارند: پایه، ساختار و دیزاین داخلی. مانند یک خانه، هر آهنگی نیز این سه

ویژگی اصلی را دارد. اگر میخواهید یک آهنگ بنویسید و نمی دانید از کجا باید شروع کنید، این قیاس ممکن است به شما

کمک کند. هر یک از این سه بخش، قسمت های مناسبی برای شروع یک آهنگ هستند.

۱. نوشتن یک آهنگ: پایه

اگر از مقیاس خانه برای آهنگسازی استفاده کنیم، می توانیم پایه و اساس خانه را با بیس لاین یا آکورد اصلی آهنگ

مقایسه کنیم. نوت پایه و یا آکورد در اصل ریشه یک آهنگ هستند، همانطور که پایه و اساس یک ساختمان ریشه آن

است. شروع با بخش بیس آهنگ یک راه عالی برای ایجاد مود و احساس برای آهنگ است. اگر ریتم قوی باشد، شانس

خوبی وجود دارد تا بقیه آهنگ نیز جالب شود.

 ایده گرفتن می توانید به آهنگ های مورد علاقه تان گوش کنید و به بیس لاین آنها توجه کنید. بیس و ریتم یک از

ارکان اصلی لذت بردن از یک آهنگ هستند. همانند خانه در یک آهنگ نیز همه چیز بر اساس بیس یا پایه ساخته می

شوند و از آن پیروی می کنند.

۲. ساختار

یک خانه بدون ساختار نمی تواند وجود داشته باشد این مسئله برای یک آهنگ نیز صدق می کند.حالا، این بدان معنی

نیست که ساختار باید پیچیده یا ساده باشد، هرچند که می تواند باشد. بعضی از خانه ها مانند مکعب های متقارن کاملا

متساوی هستند، در حالی که بعضی دیگر به صورت گسترده، نامتقارن و حتی نمایشی هستند.  قبل از ساخت آهنگ از

خودتان بپرسید که چه آهنگی وی خواهید بسازید؟

بیشتر آهنگ های پاپ ، ساختار بسیار ساده ای دارند. یک ورس وجود دارد، سپس یک کوروس، ورس دوم، و سپس یک

کوروس دیگر. البته این ساختار می تواند متفاوت باشد. این ساختار به عنوان یک ساختار ABAB شناخته می شود، ورس 

“A” و  کوروس “B”. گاهی وقتها bridge یا پل نیز از کوروس نهایی ممکن است اضافه شود که آن را نیز با حرف “c”

نمایش می دهند. این یک فرمول ساده برای ساخت بسیاری از آهنگ ها است.. داشتن یک ساختار در ذهن، بدون در نظر

گرفتن سادگی و پیچیدگی آن، یکی از بخش های مناسب برای شروع ساختن یک آهنگ است.

۳. دیزاین داخلی، یا ملودی (و شعر)

یک خانه ممکن است مستحکم باشد و از بیرون بسیار خوب به نظر برسد، اما چه چیزی داخل خانه است ؟  دکوراسیون

داخلی خانه باعث زیبایی داخل آن می شود. همین امر برای موسیقی صدق می کند چیزی که باعث گیرا بودن و

ماندگاری یک آهنگ می شود ملودی است. همچنین یک شعر خوب می تواند حتی یک ملودی را ماندگارتر و تاثیرش را

عمیق تر کند. یک شعر خوب را میتوان روح یک آهنگ نامید.

اگر ایده ای برای نوشتن یک ملودی دارید، پس در حال حاضر بیشتر مسیر خود را برای نوشتن یک آهنگ عالی آماده کرده

اید و یا اگر شما یک ایده برای نوشتن شعر دارید، می توانید یک ملودی را در اطراف ریتم و الگوهای این کلمات ایجاد کنید.

هنگامی که نت ها و کلمات را در جای خود قرار دهید، می توانید بر اساس ملودی و شعر خود آکورد و بیس لاین مناسب

را برای آهنگتان بنویسید.

نتیجه

نوشتن یک آهنگ همیشه پروسه آسانی نیست. به یاد داشتن این سه نکته کلیدی ،  می تواند حداقل جایی خوب برای

آغاز ساخت یک آهنگ باشد.

شما نیز روش های آهنگسازی خود را با ما به اشتراک بگذارید.


#آهنگسازی #آهنگسازی_تنظیم #آهنگسازی_حرفه_ای #استودیو_موسیقی #دانلود_آهنگ_جدید

دستگاه موسیقی چیست ؟

دستگاه موسیقی چیست ؟

دستگاه موسیقی عبارت است از توالی نظام یافتة قراردادی نمونه‌ها و الگوهای موسیقایی، که در

حوزة تُنال “Tonal” آن دستگاه ترتیب یافته است” به طور کلی، هر دستگاه، از نغمه‌هایی تشکیل

می‌شود و هر نغمه، شامل تعدادی گوشه است. گوشه، کوچک‌ترین واحد سازندة هر دستگاه موسیقی

است و در واقع، “اگر موسیقی ایران را مملکتی فرض کنیم، دستگاه را ولایت، نغمات را شهر و گوشه‌ها

را خانه تعبیر می‌نماییم” به بیان دیگر، “گوشه‌ها، بافتهایی “TexturesK” موسیقایی هستند که به

عنوان نمونه و الگویی قراردادی برای ایجاد خلاقیت موسیقایی و بداهه‌نوازی یا بداهه‌سرایی به کار

می‌روند…”. این گوشه‌ها، “…نقش زمینه‌سازی برای تأویل و تداعی بداهه‌نوازی یا بداهه‌سرایی و

ساختن قطعات را به عهده دارند

آشنایی بهتر با ساز های کوبه ای | آهنگسازی و تنظیم

آشنایی بهتر با ساز های کوبه ای | آهنگسازی و تنظیم

ﺍﺻﻄﻼﺡ ﺳﺎﺯﻫﺎﯼ ﮐﻮﺑﻪ ﺍﯼ ﯾﺎ Percussion ﺍﺯ ﺭﯾﺸﻪ Percutere ﻻﺗﯿﻦ ﺑﻪ ﻣﻌﻨﯽ to strike ‏( ﺿﺮﺑﻪ ﺯﺩﻥ‏)ﺍﺳﺖ.ﺍﻣﺎ ﺩﺭ ﻣﺠﻤﻮﻉ ﺑﻪﺗﻤﺎﻣﯽ ﺳﺎﺯﻫﺎﯼ ﮐﻪ ﺑﻮﺳﯿﻠﻪ ﺿﺮﺑﻪ

ﺯﺩﻥ، ﺗﮑﺎﻥ ﺩﺍﺩﻥ ﻭ ﯾﺎ ﮐﺸﯿﺪﻥ ﺑﺎ ﺩﺳﺖ ﯾﺎ ﻭﺳﯿﻠﻪﺍﯼ ﺷﺒﯿﻪ ﭼﮑﺶ، ﺻﻮﺕ ﺗﻮﻟﯿﺪ ﻣﯿﮑﻨﻨﺪ ﺳﺎﺯﮐﻮﺑﻪ ﺍﯼ ﮔﻔﺘﻪ ﻣﯿﺸﻮﺩ .

ﮔﺮﻭﻫﯽ ﺍﺯ ﺁﻧﻬﺎ ﮐﻪ ﺻﻮﺕ ﺧﺎﺻﯽ ﺭﺍ ﺗﻮﻟﯿﺪ ﻧﻤﯿﮑﻨﻨﺪ ﺑﻌﻨﻮﺍﻥ ﺍﻟﻤﺎﻧﻬﺎﯼ ﺗﻮﻟﯿﺪ ﮐﻨﻨﺪﻩ ﺭﯾﺘﻢ ﻭ ﺗﺰﺋﯿﻦ ﺩﺭ ﺗﻨﻈﯿﻢ ﻭﺍﺭﮐﺴﺘﺮﺍﺳﯿﻮﻥ ﮐﺎﺭﺑﺮﺩﺑﺴﯿﺎﺭ ﺩﺍﺭﻧﺪ . ﺍﻧﻮﺍﻉ ﺩﯾﮕﺮ ﺁﻧﻬﺎ ﮐﻪ ﻧﺖ

ﺧﺎﺻﯽ ﺗﻮﻟﯿﺪ ﻣﯿﮑﻨﻨﺪ ﺑﺮﺍﯼ ﻧﻮﺍﺧﺘﻦ ﻣﻠﻮﺩﯼ ﺑﮑﺎﺭﻣﯿﺮﻭﻧﺪ .

ﺳﺎﺯﻫﺎﯼ ﮐﻮﺑﻪ ﺍﯼ ﺑﺎ ﺍﺭﺗﻔﺎﻉ ﺻﻮﺗﯽ ﻧﺎ ﻣﺸﺨﺺ ﺟﺰﻭ ﺟﺪﺍﯾﯽ ﻧﺎﭘﺬﯾﺮ ﺍﺭﮐﺴﺘﺮﻫﺎﯼ ﺑﺰﺭﮒ ﺟﻬﺎﻥ ﻫﺴﺘﻨﺪ ﻭ ﺍﮔﺮﮐﺎﺭﻫﺎﯼ ﺑﺰﺭﮒ ﺍﺭﮐﺴﺘﺮﺍﻝ ﺭﺍ ﺩﯾﺪﻩ ﺑﺎﺷﯿﺪ ﭼﮕﻮﻧﻪ ﯾﮏ ﺗﻨﻪ ﺩﺭ

ﺩﺍﺩﻥ ﺭﯾﺘﻢ ﺑﻪ ﻣﻮﺳﯿﻘﯽ ﯾﺎ ﺗﺎﮐﯿﺪ ﺑﺮﻣﻠﻮﺩﯼ ﺳﺎﯾﺮﺳﺎﺯﻫﺎ ﻧﻘﺶ ﺍﯾﻔﺎﻣﯿﮑﻨﻨﺪ.

ﻋﻨﺼﺮ ﺗﻮﻟﯿﺪ ﮐﻨﻨﺪﻩ ﺻﻮﺕ ﺩﺭ ﺍﯾﻦ ﺳﺎﺯﻫﺎ ﯾﮏ ﻏﺸﺎﯼ ﭘﻮﺳﺘﻪ ﺍﯼ ﮐﺸﯿﺪﻩ ﺷﺪﻩ ﯾﺎ ﺻﻔﺤﻪ ﻫﺎ ﻭ ﻣﯿﻠﻪ ﻫﺎﯼ ﻓﻠﺰﯼﯾﺎ ﭼﻮﺑﯽ ﻭ … ﺍﺳﺖ ﮐﻪ ﺑﻮﺳﯿﻠﻪ ﻣﺮﺗﻌﺶ ﺷﺪﻥ ﺗﻮﻟﯿﺪ

ﺻﻮﺕ ﻣﯿﮑﻨﻨﺪ .

ﺳﺎﺯﻫﺎﯼ ﮐﻮﺑﻪ ﺍﯾﯽ ﺩﺭ ﺍﻧﻮﺍﻉ ﺳﺒﮑﻬﺎﯼ ﮐﻼﺳﯿﮏ ﻭ ﺍﺭﮐﺴﺘﺮﺍﻝ ﺑﻪ ﻫﻨﮕﺎﻡ ﺑﻪ ﺍﻭﺝ ﺭﺳﯿﺪﻥ ﻣﻮﺳﯿﻘﯽ ﮐﺎﺭﺑﺮﺩﺑﺴﯿﺎﺭ ﺩﺍﺭﻧﺪ ﻭ ﺷﻮﺭ ﻭ ﻫﯿﺠﺎﻥ ﻣﻮﺳﯿﻘﯽ ﺭﺍ ﺑﯿﺸﺘﺮ می کنند.

ﺁﻧﭽﻪ ﺑﻄﻮﺭ ﻗﻄﻊ ﻣﺸﺨﺺ ﺍﺳﺖ ﺍﯾﻨﮑﻪ ﺍﺯ ﺍﻭﺍﺧﺮ ﻗﺮﻥ ﻧﻮﺯﺩﻫﻢ ﺑﺎ ﺭﻭﯼ ﮐﺎﺭ ﺁﻣﺪﻥ ﻣﻮﺳﯿﻘﯽ Jazz ﻭ ﺑﻌﺪﻫﺎ Rock ﻭ … ﺍﺳﺘﻔﺎﺩﻩ ﺍﺯ ﺳﺎﺯﻫﺎﯼ ﮐﻮﺑﻪ ﺍﯼ ﺑﻪ ﻣﺮﺍﺗﺐﻧﺴﺒﺖ

ﺑﻪ ﻗﺒﻞ ﺭﻭﺍﺝ ﺑﯿﺸﺘﺮﯼ ﭘﯿﺪﺍ ﮐﺮﺩ . ﺑﻄﻮﺭﯾﮑﻪ ﺍﻣﺮﻭﺯﻩ ﻋﻨﺼﺮ ﺟﺪﺍﯾﯽ ﻧﺎﭘﺬﯾﺮﺍﺯ ﮐﺎﺭﻫﺎﯼ ﮐﻮﭼﮏ ﻭ ﺑﺰﺭﮒ ﻣﻮﺳﯿﻘﯽ ﺑﺸﻤﺎﺭ ﻣﯽ ﺁﯾﻨﺪ .

ﺍﺯ ﺳﺎﺯﻫﺎﯾﯽ ﮐﻪ ﻧﺖ ﻣﺸﺨﺼﯽ ﺩﺍﺭﻧﺪ ﻣﯿﺘﻮﺍﻥ ﺑﻪ Timpani ﺍﺷﺎﺭﻩ ﮐﺮﺩ ﮐﻪ ﺩﺭ ﺍﺭﮐﺴﺘﺮﻫﺎﯼ ﺑﺰﺭﮒ ﺑﺴﯿﺎﺭ ﮐﺎﺭﺑﺮﺩ ﺩﺍﺭﻩ ﻣﺜﻼ ” ﻫﮑﺘﻮﺭﺑﺮﻟﯿﻮﺯ ﺁﻫﻨﮕﺴﺎﺯ ﺑﺰﺭﮒ ﻓﺮﺍﻧﺴﻮﯼ ﺩﺭ

ﯾﮑﯽ ﺍﺯ ﮐﺎﺭﻫﺎﺵ ﺍﺯ ﺷﺎﻧﺰﺩﻩ Timpani ﺍﺳﺘﻔﺎﺩﻩ ﮐﺮﺩﻩ ﺍﺳﺖ .

ﺷﺎﯾﺪ ﺟﺎﻟﺐ ﺑﺎﺷﺪ ﮐﻪ ﺑﺪﺍﻧﯿﺪ Naqara ‏( ﻫﻤﺎﻥ ﻧﺎﻗﺮﻩ ﺧﻮﺩﻣﺎﻥ ‏) ﺩﺭ ﻭﺍﻗﻊ ﯾﮏ ﻧﻮﻉ Timpani ﺍﺳﺖ ﮐﻪ ﺩﺭ ﺧﺎﻭﺭﻣﯿﺎﻧﻪ ﺍﺳﺘﻔﺎﺩﻩ ﻣﯿﺸﺪﻩ ﺍﺳﺖ .

ﻫﻨﺪﯼ ﻫﺎ ﺳﺎﺯ ﺑﺴﯿﺎﺭ ﺧﻮﺵ ﺻﺪﺍﯾﯽ ﺑﻨﺎﻡ Tabla ﺩﺍﺭﻧﺪ ﮐﻪ ﺣﺘﻤﺎ ” صدای آنرا ﺷﻨﯿﺪﻩ ﺍﯾﺪ . ﺍﯾﻦ ﺳﺎﺯ ﻫﻢ ﮐﻮﮎﻣﯿﺸﻮﺩ ﻭ ﺑﻪ ﻗﻮﻟﯽ pitched ﺍﺳﺖ .

ﺍﺯ ﺩﯾﮕﺮ ﺳﺎﺯﻫﺎﯾﯽ ﮐﻪ ﺑﺼﻮﺭﺕ ﻭﺍﺿﺢ ﻧﺖ ﻣﺸﺨﺺ ﺗﻮﻟﯿﺪ ﻣﯿﮑﻨﻨﺪ ﻭ ﺩﺭ ﺍﯾﻦ ﮔﺮﻭﻩ ﻗﺮﺍﺭﺩﺍﺭﻧﺪ ﻣﯿﺘﻮﺍﻥ ﺑﻪ Xylophones ﻭ ﺳﺎﺯﻫﺎﯼ ﻣﺸﺎﺑﻪ ﺁﻥ ﺩﺭ ﺳﺎﯾﺮ ﮐﺸﻮﺭﻫﺎ ﻣﺜﻞ

Marimba ﺩﺭ ﺁﻣﺮﯾﮑﺎﯼ ﻻﺗﯿﻦ ﻧﺎﻡ ﺑﺮﺩ . ﺍﯾﻦ ﺳﺎﺯﻫﺎ ﺍﺯ ﻗﺪﯾﻢ ﺍﻻﯾﺎﻡ ﺩﺭ ﻣﻮﺳﯿﻘﯽ Jazz ﮐﺎﺭﺑﺮﺩﺑﺴﯿﺎﺭ ﺩﺍﺷﺘﻪ ﻭ ﺩﺍﺭﻧﺪ .

ﺍﻣﺎ ﺍﺯ ﻣﻌﺮﻭﻓﺘﺮﯾﻦ ﺳﺎﺯﻫﺎﯾﯽ ﮐﻪ ﻧﺖ ﻣﺸﺨﺺ ﺗﻮﻟﯿﺪ ﻧﻤﯿﮑﻨﻨﺪ، ﺑﺎﯾﺪ ﺑﻪ ﺁﻧﭽﻪ ﮐﻪ ﺍﻣﺮﻭﺯﻩ Drum ﻣﻌﺮﻭﻑ ﺍﺳﺖﺍﺷﺎﺭﻩ ﮐﺮﺩ ﮐﻪ ﺧﻮﺩ ﺍﻧﻮﺍﻉ ﻣﺨﺘﻠﻒ ﺩﺍﺭﺩ.

جالب است که بدانید در snare یا bass موسیقی آمریکای لاتین از نوعی drum استفاده می شود کهدرون آن پر از آب است.

ﺗﻌﺪﺍﺩ ﺳﺎﺯﻫﺎ ﺩﺭ ﺍﯾﻦ ﻗﺴﻤﺖ ﺑﺴﯿﺎﺭ ﺯﯾﺎﺩ ﻭ ﻣﺘﻨﻮﻉ ﺍﺳﺖ ﻣﺜﻞ ﺍﻧﻮﺍﻉ Cymbals ‏( ﻫﻤﺎﻥ ﺳﻨﺞ‏) ، Triangle ‏(ﻣﺜﻠﺚ‏) ﻭ…

ﺑﺎﺯ ﺷﺎﯾد ﺟﺎﻟﺐ ﺑﺎﺷﺪ ﺑﺪﺍﻧﯿﺪ ﮐﻪ ﺩﻗﯿﻘﺎ ” ﻧﻤﻮﻧﻪ ﺳﺎﺯ ﺩﻑ ﮐﻪ ﺩﺭ ﮐﺸﻮﺭ ﻣﺎ ﻣﻮﺭﺩ ﺍﺳﺘﻔﺎﺩﻩ ﻗﺮﺍﺭ ﻣﯿﮕﺮﺩ ﺩﺭ ﺍﯾﺮﻟﻨﺪﻧﯿﺰ ﻣﻮﺭﺩ ﺍﺳﺘﻔﺎﺩﻩ ﺍﺳﺖ .

ﺩﻗﺖ ﮐﻨﯿﺪ ﮐﻪ ﯾﮏ ﻧﻮﺍﺯﻧﺪﻩ ﺳﺎﺯﻫﺎﯼ ﮐﻮﺑﻪ ﺍﯼ ﺍﻏﻠﺐ ﺑﺎﯾﺪ ﺗﻮﺍﻧﺎﯾﯽ ﻧﻮﺍﺯﻧﺪﮔﯽ ﺗﻤﺎﻣﯽ ﺍﯾﻦ ﺳﺎﺯﻫﺎ ﺭﺍ ﺑﺎﻫﻢ ﺩﺍﺷﺘﻪ ﺑﺎﺷﺪ ﻭ ﺍﺯ ﻃﺮﻑ

ﺩﯾﮕﺮ ﺗﻮﺍﻧﺎﯾﯽ ﺩﺭﮎ ﺍﻧﻮﺍﻉ ﺭﯾﺘﻢ ﻫﺎﯼ ﻣﻮﺳﯿﻘﯽ ﻭ ﻧﮕﺎﻩ ﺩﺍﺷﺘﻦ ﺁﻧﻬﺎ ﺭﺍ ﺑﻪ ﻫﻤﯿﻦ ﺩﻟﯿﻞ ﺑﺮﺧﻼﻑ ﺁﻧﭽﻪ ﺑﻪ ﻇﺎﻫﺮ ﺑﻨﻈﺮ ﻣﯽ ﺁﯾﺪﻧﻮﺍﺯﻧﺪﮔﯽ ﮐﻮﺑﻪ ﺍﯼ ﻫﺎ ﻣﯿﺘﻮﺍﻧﺪ ﺑﺴﯿﺎﺭ ﺩﺷﻮﺍﺭ

ﺑﺎﺷﺪ…


#آهنگسازی_حرفه_ای #قیمت_هزینه_آهنگسازی_تنظیم #استودیو_موزیک #موسیقی #میکس_مسترینگ #ترانه_ملودی

آشنایی و معرفی دستگاه های موسیقی | آهنگسازی و تنظیم

آشنایی و معرفی دستگاه های موسیقی | آهنگسازی و تنظیم

دستگاه همایون

دستگاه همایون یکی از دستگاه‌های هفت‌گانه ردیف موسیقی ایران است.

واژه همایون در فرهنگ عمید چنین معنی شده است: (هُ.یُ) هماگون: خجسته، فرخ، مبارک، فرخنده. و در برهان قاطع چنین نقل شده است: نام معشوقه

همای است، و قصه همای و همایون را به نظم آورده‌اند و مشهور است، و به معنی مبارک و خجسته و میمون هم هست.

این دستگاه به تناسب نام خود، حالتی شاهانه، اشرافی و باوقار دارد، ولی با این حال زمینهٔ اجرای بسیاری از لالایی‌ها و زمزمه‌های متداول در نقاط

مختلف ایران است. همچنین از نغمه‌های این دستگاه در موسیقی زورخانه نیز استفاده می‌شود.

دستگاه همایون با حالت محزون و اسرار آمیز خود گوشه‌های متعددی دارد که گوشه «عشاق» اوج این دستگاه تلقی می‌شود.

بر اساس نظر متافیزیکی استاد مجید کیانی درباره ی موسیقی ایرانی، “همایون” ادامه‌ی روز، تداوم زندگی،اتحاد عشق و عاشق و  معشوق و توحید

است. (مقام توحید در هفت شهر عشق)

از رنگ‌های قدیمی که در خاتمه دستگاه همایون نواخته می‌شوند می‌توان رِنگِ فرح و رنگ شهرآشوب را نام برد. رنگ فرح رنگی است سه ضربی و با وزن

سنگین اما رنگ شهرآشوب دوضربی ترکیبی (شش – هشت) است و با تمپوی متوسط اجرا می‌شود.

از لحاظ مرکب خوانی این دستگاه به دستگاه‌های سه‌گاه و شور ارتباط دارد و وسعت این دستگاه را بیشتر می‌کند.

به دلیل شباهت شور و همایون، با بم کردن نت سوم گام همایون به میزان نیم‌پرده می‌توان وارد شور شد. همایون را می‌توان به دستگاه چهارگاه نیز

ارتباط داد و این کار با افزودن نیم‌پرده به نت ششم گام همایون و کم کردن ربع پرده از نت پنجم که گوشهٔ آواز منصوری را تداعی می‌کند انجام‌پذیر است.

عکس همین عمل و گذر از چهارگاه به همایون نیز در گوشهٔ مخالف دستگاه چهارگاه قابل اجراست.

آلبوم بیداد پرویز مشکاتیان با خوانندگی محمدرضا شجریان از جمله آثار مشهوری است که در این دستگاه ساخته شده‌است.

بیات اصفهان هم آوازی است که از دستگاه همایون گرفته شده است و دارای درجات مشترکی با همایون است. تونیک یا شاهد آن درجه چهارم همایون

است…


#آهنگسازی_حرفه_ای #قیمت_هزینه_آهنگسازی_تنظیم #استودیو_موزیک #موسیقی #میکس_مسترینگ #ترانه_ملودی

موسیقی و ریاضت نفس | آهنگسازی

موسیقی و ریاضت نفس

💠فیثاغورث دو راهکار جهت ریاضت نفس بیان می دارد:

 

1. تمرین سکوت …

 

2. گوش دادن به موسیقی

 

🔸 موسیقی و تاثیر آن بعدها در فلسفه ما تأثیر گذاشت و بسیاری از فلاسفه و متکلمان بسیار متعبد مانند غزالی که

حتی به قشری گری و خشک مقدسی معروف بوده اند روی همین اصل در برابر حرمت فقهی موسیقی مقاومت می

کردند .

اولین دلیل فلسفی ایشان بر تأثیر موسیقی در ریاضت نفس این بوده است که جهان موودی هماهنگ است و این

هماهنگی در هیچ کجا مثل موسیقی نشان داده نمی وشد و این بر می گردد به رأی و نظری که فیثاغورث در مورد عدد

داشت .

اما اگر از این استدلال فلسفی هم بگذریم که موسیقی عالیترین وسیله است که هماهنگی جهان را نشان می دهد و

خود هماهنگی در جهان و موسیقی هر دو معلول آت است که هر دو از عدد ساخته شده اند.کانال کلید سل.

از این مطلب و ادله فلسفی که بگذریم اساسا اینکه موسیقی به انسان رقت قلب می دهد از قدیم الایام مورد توجه

بوده است .

از قدیم همه توجه داشتند که تا انسان گریه نکند انسان عادی نیست یعنی رقت قلب ندارد و انسان نمونه انسانی

است که زیاد گریه کند و لذاست که کودکان را به انسان نمونه بیشتر شبیه می دانستند چون رقت قلب و گریه در آنها

بسیار وجود داشته است .

اینکه گریه در ترقیق قلب کمک می کند مورد توجه فیثاغورثیان وبعد رواقیون بوده است…


#آهنگسازی #آهنگسازی_حرفه_ای #آهنگسازی_تنظیم #قیمت_آهنگسازی #استودیو #استودیو_ضبط_صدا #استودیو_حرفه_ای #موسیقی #موزیک #پیانو #گیتار #تنظیم_ترک_موزیک #میکس_مسترینگ #ترانه_شعر_ملودی

نصيحتهای روبرت شومان (آهنگساز بزرگ آلمانی) در رابطه با تربیت نوازنده | آهنگسازی و تنظیم

‍نصيحتهای روبرت شومان (آهنگساز بزرگ آلمانی) در رابطه با تربیت نوازنده | آهنگسازی و تنظیم

🔴 نصيحتهای روبرت شومان (آهنگساز بزرگ آلمانی) در رابطه با تربیت نوازنده

 

👈 متن اين يادداشت را روبرت شومان لابه لاي قطعات يكي از كتابهاي متد آموزش خود نگاشته است، زيبايي وپختگي ديدگاههاي شومان درباره تربيت

نوازنده با شيوه انتقال اين مفاهيم در قالب جملاتي ساده نكات قابل توجه اين يادداشتهاي كوتاه است:

🔹 گوش خود را تربيت كن. اين از همه مهمتر است از سنين نوجواني سعي كن توناليته ها و صداها را تشيخص بدهي. به صداي زنگوله، برخورد دو

شيشه و آواز پرنده گوش بده، هر كدام چه صدايي دارد.

🔹قطعه را نه فقط انگشتانت بايد بلد باشند بلكه تو بايد بتواني آن را بدون ساز براي خودت بخواني.

🔹سعي كن حتي اگر وسعت صداي كمي داري، قطعه را بدون كمك ساز دشيفر كني (بخواني) با اين كار گوش تو دقيق تر مي شود. اما اگر صداي

خوبي داري يك لحظه هم صبر نكن، آن را تربيت كن و مثل هديه با ارزش آسماني بدان.

🔹 تو بايد تا جايي پيشرفت كني كه وقتي موسيقي را با چشم مرور مي كني آن را بفهمي!

🔹 از كودكي به صدا و كاراكتر سازهاي مختلف توجه كن، سعي كن رنگ صدايي خاص هر كدام در حافظه شنوايي ات نقش ببندد.

🔹 گام و تمرين دست را ضميمه كارت كن. خيلي ها فكر مي كنند باتمرين گام و آرپژ مي شود همه چيز رابه دست آورد و تا سنين پيري هر روز ساعات

زيادي را صرف تمرينات مكانيكي مي كنند. كار آنها شبيه اين است كه سعي كنيم هر روز تندتر و تندتر الفبا را تلفظ كنيم. از وقت خودت بيشرين استفاده

را بكن!

🔹 با جديت در گروه كر بخوان. اين كار موزيكاليته را در تو تقويت مي كند.

🔹 عجله كردن وكند كردن در اجرا هر دو به يك اندازه اشتباه است.

🔹 ريتميك اجرا كن! اجراي بعضي ويرتئوزها شبيه تلوتلوخوردن مست ها است. آنها را الگو قرار نده.

🔹سعي كن قطعات ساده را خوب و درست اجرا كني. اين بهتر از آن است كه قطعات سخت را در حد متوسط و معمولي اجرا كني.

🔹 وقتي بزرگتر شدي هر چه مد شد نزن! وقت طلاست. بايد ۱۰۰عمر انساني داشت تا بتوان با انواع موسيقي خوب كه در دنيا وجود دارد آشناشد.

🔹 با شكلات و آبنبات تنها هيچ بچه يي سالم رشد نمي كند! غذاي روح هم مثل غذاي جسم بايد سالم و ساده باشد. بزرگان موسيقي به قدر كافي به

اين غذاي روح پرداخته اند، از آن استفاده كن. قدم به قدم با تمام آثار باارزش همه آهنگسازان بزرگ آشنا شو. ايجاد هر تغييري را در آثار آهنگسازان

برجسته زشت بدان. كم كردن يا از آن بدتر اضافه كردن چيزي مطابق مد روز، بزرگترين

توهيني است كه تو مي تواني به هنر بكني.

🔹 فقط زماني كه فرم برايت واضح باشد محتوا برايت واضح خواهد بود.

🔹هر چه زودتر قوانين اصلي هارموني را ياد بگير.

🔹با دقت به تمام آوازهاي محلي گوش بده اين عالي ترين گنجينه ملودي هاست و تو را با خصوصيات مليت هاي مختلف آشنا مي كند.

🔹با جديت روي فوگ هاي آهنگسازان بزرگ كار كن و قبل از همه فوگ هاي يوهان سباستیان باخ را. «پرلود فوگ هاي» او بايد غذاي هر روز تو باشند تا

كار موسيقي تو پايه و اساس داشته باشد.

🔹 اگر بعد از تمرين روزانه موسيقي ات خسته شدي خودت را مجبورنكن بيشتر كار كني.بهتر است استراحت كني تا اينكه با خستگي و بي علاقگي

تمرين كني.

🔹 هنگامي كه از كار موسيقي استراحت مي كني شعر بخوان و بيشتر به دامن طبيعت برو.

🔹 هميشه طوري بنواز كه انگار يك موسيقيدان بزرگ دارد اجرايت را گوش مي كند.

🔹 اگر همه مي خواستند ويلن اول باشند، اركستر چطور مي توانست شكل بگيرد؟ به همه موسيقيدانها در جايگاه خودشان احترام بگذار.

🔹 تاريخ موسيقي را ياد بگير. شنيدن نمونه هاي موسيقي دوره هاي مختلف بهتر از هر چيز تكبر و پرمدعايي تو را مداوا مي كند.

🔹 دنياخيلي بزرگ است، متواضع باش! تو هنوز كار بزرگي نكرده يي يا چيزي را كشف نكرده يي كه تا حالا ناشناخته بوده و اگر كردي آن را مثل هديه يي

بدان كه تو بايد با ديگران قسمتش كني (ديگران را در آن سهيم كني)

🔹 با سعي وكوشش و پشتكار هميشه مي تواني به درجات بالاتري برسي.

🔹 هيچ وقت شيفته زرق و برق هياهو در اجرا نشو. سعي كن موسيقي همان تأثيري را در شنونده بگذارد كه آهنگساز در نظر داشته، بيشتر از آن لازم

نيست: هر چه از اين بيشتر باشد تحريف است.

🔹 تكنيك فقط وقتي باارزش است كه در خدمت هدف بالاتري باشد.


#آهنگسازی #آهنگسازی_حرفه_ای #آهنگسازی_تنظیم #قیمت_آهنگسازی #استودیو #استودیو_ضبط_صدا #استودیو_حرفه_ای #موسیقی #موزیک #پیانو #گیتار#تنظیم_ترک_موزیک #میکس_مسترینگ #ترانه_شعر_ملودی #مقالات_مطالب_موسیقی

سه‌ نوازی جبران | آهنگسازی و تنظیم

سه‌ نوازی جبران | آهنگسازی و تنظیم

 

سه‌نوازی جبران که در جهان عرب ثلاثی جبران (به عربی: الثلاثي جبران) و در جهان غرب تریو جبران

(به فرانسوی: Le Trio Joubran) خوانده می‌شود، یک گروه موسیقی سه‌نفره در سبک عربی است

کهدر سال ۲۰۰۴ در ناصره فلسطین شکل گرفت.

در موسیقی این گروه رگه‌هایی از فلامنکو و جاز وجود دارد.

این گروه از سه برادر به نام‌های سمیر، وسام و عدنان تشکیل‌شده که هر سه در نواختن عود استاد

هستند.

یوسف هبیش به عنوان نوازنده پرکاشن در برخی از اجراها گروه را همراهی می‌کند. برادران جبران از

مسیحیان فلسطین هستند.


#آهنگسازی #تنظیم #آهنگسازی_تنظیم #استودیو  #آهنگسازی_حرفه_ای #موسیقی #استودیو_حرفه_ای #رکورد_صدا #قیمت_آهنگسازی #دانلود_موزیک #میکس_مسترینگ

چگونه-خواننده-معروف-شویم

چگونه خواننده معروف شویم باید چه کارهایی انجام دهیم

چگونه خواننده معروف شویم

برای اینکه خواننده مطرح و معروف شویم باید چه کارهایی انجام دهیم

خواننده مطرح شدن هیچ استعدادی نمی‌خواهد، فقط تمرین کنید!

چگونه خواننده معروف شویم

یک خواننده برجسته شدن نیاز به برخورداری از استعداد طبیعی،

یک عمر از خودگذشتگی،

و آموزش درجه یک دارد.

و ترکیبی از هر سه اینها می‌تواند یک خواننده شهیر نظیر بوچلی رو شکل دهد.

اما می‌توان با ظرفیت طبیعی صدا نیز به یک ستاره پاپ مشهور و پرطرفدار تبدیل شد و میلیون‌ها مخاطب داشت.

آیا تصور می‌کنید، صدای خاص که گروهی محدود از خوانندگان از آن برخوردارند، یک موهبت الهی است که تنها به جمعیتی بسیار محدود داده شده است؟

اگر چنین تصوری داشته‌اید،

تاکنون در این زمینه ره به خطا برده‌اید و بعید نیست دیر یا زود بتوانید با انجام تمرین‌های مشخص به صدایی در حد یک خواننده مطرح پاپ مجهز شوید!

آیا می‌خواهید صدای یک ستاره جهانی پاپ را داشته باشید؟

فقط تمرین کنید!

چگونه خواننده معروف شویم

شاید چنین توصیه‌ای عجیب به نظر آید و همچنان تصور

اینکه ژنتیک نقش اساسی را در دستیابی به یک موقعیت استثنایی در دنیای موسیقی ایفا می‌کند، پررنگ باشد،

اما حقیقت امر آن است که مطابق با پژوهش‌هایی که انجام شده و در عمل مورد آزمایش قرار گرفته،

تمرین‌های علمی، می‌تواند از شخصی که فاقد توانمندی و استعداد در خوانندگی است، یک خواننده پاپ بسازد.

بر اساس تحقیقات منتشر شده در دیلی میل و مدیکال دیلی، یک خواننده برجسته شدن نیاز به برخورداری از

استعداد طبیعی،

یک عمر از خودگذشتگی و آموزش درجه یک دارد

و ترکیبی از هر سه اینها می‌تواند یک خواننده شهیر نظیر بوچلی رو شکل دهد اما

می‌توان با ظرفیت طبیعی صدا نیز به یک ستاره پاپ مشهور و پرطرفدار تبدیل شد و میلیون‌ها مخاطب داشت.

صدای خوب می‌تواند آموزش داده شود و همانگونه که برای دستیابی به یک بدن ورزیده در باشگاه‌های ورزشی آموزش داده می‌شود،

می‌توان حنجره و سیستم صوتی هر انسانی را نیز آموزش داد و به سطحی رساند که بتواند بخواند و دیگران از شنیدن

صدایش لذت ببرند؛ اتفاقی که پیش از این قابل باور نبود.

جاستین استونی مربی آواز در نیویورک می‌گوید: «برخی با صدای بهتری به دنیا می‌آیند و یادگیری سریع‌تری نیز دارند.

اما در نهایت هرکسی می‌تواند یاد بگیرند و با تمریناتی به اندازه کافی، به یک صدای خوب دست یابد.

شواهدی وجود دارد که به ما می گوید که اگر شما واقعا روش خوبی به کار بگیرید،

به خوبی می تواند آواز بخوانید، مگر آنکه محدودیت شدید در ساختار صوتی‌تان باشد.»

مطابق با یک مطالعه که دانشگاه مونترال در سال 2012 انجام داده، 20 درصد از مردم کنترل خوبی بر تارهای صوتی‌شان ندارد،

35 درصد ار مردم برای خارج کردن صدایشان تقلا می‌کردند و 5 درصد به طور کامل فاقد توانمندی لازم برای دستیابی به یک صدای قابل قبول برای خواندن هستند.

و در این میان برخی عوامل فیزیکی نظیر ابعاد جمجمه با حنجره و تارهای صوتی نسبتی دارند که در تولید صدای بهتر تاثیرگذارند.

چگونه خواننده معروف شویم

برای مقایسه تاثیر جمجمه و فیزیک بدن، پژوهشگران، بدن را با یک گیتار مقایسه کرده‌اند.

اگر ده گیتار داشته باشید و سیم‌های همه این گیتارها را از یک جنس و از یک ریشه بیاندازید،

صدای با اندکی تفاوت را خواهید شنید و بسیار بعید است که دو گیتار صدایی کاملاً یکسان داشته باشند.

این تفاوت اندکِ صدای گیتارها به دلیل کیفیت و ضخامت و ابعاد بدنه گیتار

(ولو چند میلیمتر بزرگ یا کوچک‌تر بودن)

پوشش رنگ روی بدنه و … است و در انسان‌ها نیز دقیقاً شکل حنجره، میزان توانمندی عضلات حنجره و… نقش مشابهی

دارند؛

مواردی که در DNA اشخاص نهفته است.

در مطالعه‌ای که توسط مجله ژنتیک پزشکی انجام شده، نیمی از استعداد موسیقی ممکن است از طریق طبیعت آمده باشد.

و در عین حال عوامل متعدد دیگری نیز در پرورش صدای اشخاص موثر است .

و به عنوان نمونه، نواختن سازهایی نظیر پیانو و ویولون از کودکی یا جوانی می تواند به یک فرد در یادگیری بهتر آواز خواندن کمک شایانی کند.

و در عین حال یک مسئله مهم، این نیمه نهفته که باید از طرق مختلف از جمله پرورش صدا و فراگیری موسیقی از کودکی فعالش کرد.، را نهفته باقی می‌گذارد و آن هم عوامل روانی است.

اگرچه ساختار فیزیکی و ژنتیکی تاثیر عمیقی در توانمندی برای رسیدن به یک موقعیت ویژه در موسیقی را ایفا می‌کند.

اما حقیقت امر آن است که در قالب اوقات، مرز روانی و عدم وجود باور درونی مبنی بر توانمندی خوانندگی، باعث می‌شود هر فردی نتواند به حداقل ظرفیت‌های دارای ساختار صوتی طبیعی اش دست یابد .

و بنابراین پیش از آنکه در پی تبدیل شدن به یک خواننده باشید،

باید از نظر روانی، به چنین باوری رسیده باشد.


 

اُپرا چیست ؟ Opera موسیقی کلاسیک | آهنگسازی و تنظیم

اُپرا چیست ؟ Opera موسیقی کلاسیک | آهنگسازی و تنظیم

اپر چیست؟

 

اپرا (Opera ) جمع کلمه لاتینی اپوس (Opus) به معنای «اثر» است و به این تغییر باید اپرا را به طور

تحت اللفظی به «آثار» ترجمه کرد.

اما اپرا به صورت کلمه مفرد مونث از آغاز قرن ۱۷ میلادی به نمایشی گفته می شد که به جای آواز

خوانده شود و این اصطلاح تاکنون برای اینگونه نمایش های آوازی از قرن ۱۴ میلادی به شیوه مادریگال و

ویلانلا توسط خوانندگان دوره گرد (تروبادور Troubadour) اجرا می شد.

اما اپرای واقعی به همت دوتن از اشراف ایتالیا، کنت باردی و دوک مانتوا به وجود آمد. پیشروان اپرا

وینچسو گالیله (۱۵۹۱ ۱۵۲۰) (Vincenzo Galilei) پدر گالیله، فیزیکدان بزرگ، جولیو کاچینی (۱۶۱۸

۱۵۵۰) (Giulio Caccini) و ژاکو پری Jacopo Peri) ۱۶۳۳ ۱۵۱۶) بودند. کاچینی و پری هر دو از خوانندگان

معروف عصر خود بودند و آنها به دعوت گالیله در تصنیف اولین آثار اپرایی شرکت کردند.

گالیله رساله ای در موسیقی به نام «مکالمه موسیقی قدیم و جدید» نوشته بود. او در آثار نمایشی

یونان قدیم سه حماسه یافته بود که به همراهی موسیقی اجرا می شد.

از آنجا نتیجه گرفت که تراژدی های یونانی به صورت رسیتاتیف یعنی کلامی که با موسیقی همراه می

شود، خوانده می شده. این نظریه مورد توجه گروه نوازندگانی که در دربار کنت باردی جمع شده بودند،

قرار گرفت.

کنت باردی برای احیای شیوه قدیم یونان که مورد توجه آن زمان بود موسیقیدانان را مامور کرد تا

نمایشی همراه موسیقیDramma per Musica بسازند اما از آنجا که این گروه سه نفری هیچگونه نمونه

ای از تئاترهای یونانی در دست نداشتند تصور کردند که نمایش های قدیم تماماً به آواز خوانده می شده

است. در حالی که آواز یا ساز یا گفتار دسته جمعی فقط به طور فرعی در تئاتر اجرا می شده و ربطی به

مکالمه تئاتری نداشته است.

به این جهت گروه مامور به خیال تقلید از درام یونانی، اپرا را به وجود آوردند.

نخست، پری به کمک رینو چینی شاعر، متن یک داستان قدیمی یونانی را به نام «دافنه» تهیه کرد و به

موسیقی درآورد. این نمایش با استقبال زیاد مواجه شد طوری که در سال ۱۶۰۰ به مناسبت ازدواج

هانری چهارم و ماریا دی مدیچی اپرای دیگری به او سفارش داده شد.

پری، داستان معروف «ارفه» را برای اپرای دوم خود انتخاب کرد که بار دیگر به نام «نوریدیچه» در

فلورانس به روی صحنه آمد. نوریدیچه اپرایی بود به شیوه رسیتاتیف که در تمام مدت نمایش، لحن و بیان

و مکالمه را از دست نمی داد.

دو سال بعد کاچینی درصدد برآمد همین داستان را به موسیقی درآورد. اگرچه کار او به مراتب ضعیف تر

از پری بود اما برای نخستین بار «آریا» یعنی آواز اصلی اپرایی را در این نمایش به کار برد.با این حال

هیچیک از این دو آهنگساز را موسس اپرا نمی دانند.

کسی که اپرا را به معنای واقعی بنیان گذاشت کلودیو مونت وردی (Claudio Monteverdi)، (۱۵۶۷

۱۶۴۸) بود. مونت وردی در ابتدا با تصنیف قطعات کثیری به شکل مادریگال شهرت یافته بود. این شهرت

باعث شد که دوک وینچنتسو گنزاگا (Vincenzo Gonzaga) او را به سمت رئیس ارکستر درباری برگزیند و

به نوشتن یک اپرا تشویق کند.

اپرا از آغاز پیدایش، نمایش پرخرجی بود. فقط اشراف بزرگ و ثروتمند استطاعت سفارش چنین کار

گرانبهایی را داشتند و به همین علت نیز اجرای یک اپرا در درجه اول، نماینده قدرت و ثروت و شخصیت

فوق العاده کسی بود که آن را سفارش می داد. اگر خانواده مدیچی در فلورانس قدرت نمایش اپرا را

داشتند برای خانواده گنزاگا در مانتورا نیز امکان داشت که چنین نمایشی را در مانتوا به روی صحنه

بیاورند.

به خصوص که دوک گنزاگا خود را نمایش اپرایی نوریدیچه در شب عروسی ماریادی مدیچی حضور

داشت و اهمیت اجرای این نمایش را درک کرده بود.مونت وردی سومین کسی بود که داستان «ارفه و

اوریدیس» را به موسیقی درآورد اما این بار اثر، آزمایشی و تجربی نبود.

بلکه یک اپرای کامل بود که به نام «ارفئو» روی صحنه آمد (۱۶۰۷). مونت وردی برای نوشتن این اپرا

سال های متمادی مطالعه کرد. در اپرای ارفئو تقریباً تمام اصول و قواعد اپرایی رعایت شده و از این حیث

آن را اولین نمونه اپرای کلاسیک می دانند.

مقدمه اپرا با یک اورتور که توسط ارکستر نواخته می شود آغاز می گردد. علاوه بر خواننده تنها در

مواردی نیز آواز دو نفری و سه نفری و دسته جمعی نیز وجود دارد. ارکستری که با خوانندگان همراهی

می کرد در آن زمان ارکستر بزرگی شمرده می شد و شامل سازهای متنوع زهی، بادی و ضربی بود.

ارکستر اپرای پری ۴ ساز داشت اما ارکستر در اپرای مونت وردی به ۳۴ ساز رسید.


#آهنگسازی #آهنگسازی_حرفه_ای #آهنگسازی_تنظیم #قیمت_آهنگسازی #استودیو #استودیو_ضبط_صدا #استودیو_حرفه_ای #موسیقی #موزیک #پیانو #گیتار #تنظیم_ترک_موزیک #میکس_مسترینگ

بهترین سنین مناسب برای شروع ساز در کودکان

بهترین سنین مناسب برای شروع ساز در کودکان | آهنگسازی و تنظیم

بهترین سنین مناسب برای شروع ساز در کودکان

بهترین سنین مناسب برای شروع ساز در کودکان

 

برای موفقیت در امر آموزش موسیقی عوامل بسیاری دخیل هستند که سن شروع یادگیری و همچنین

رفتار و عملکرد والدین را میتوان از عوامل بسیار مهم این مقوله برشمرد , به طوریکه آینده موسیقایی

کودک ارتباط مستقیمی با این دو دارد. شما میتوانید معلم موسیقی فرزند خود یا ساز او را تغییر دهید

,اما هیچگاه نخواهید توانست سن او را به عقب برگردانید و یا تاثیر مخرب برخی رفتارهای اشتباه یا

ناآگاهانه خود را از ضمیر او پاک کنید .

آموزش بازیکری

 روش های جذب کودک به تمرینات روزانه ساز

بر اساس یک نظر سنجی جدید ۴٧% نوازندگان موفق یادگیری را بین سنین ۴ تا ١٠ سال شروع کرده

اند. سایت بی بی سی بهترین سن برای یادگیری سازهای مختلف را بر اساس اندازه یک ساز و توانایی

جسمی مورد نیاز اینگونه بیان میکند :

فلوت ریکوردر :

معمولا به عنوان یک ساز ابتدایی برای شروع آموزش و آشنایی با موسیقی پیشنهاد

میشود و کودک میتواند نوازندگی آنرا از زمانی که بتواند انگشتهایش را روی سوراخهای ساز نگه دارد

شروع کند.

چگونه به درک و اشتیاق کودکان از لذت بردن موسیقی می توان کمک کرد؟

پیانو :

۵ سالگی زود ترین زمانی است که کودکان باید نوازندگی پیانو را بیاموزند مگر کودک شما یک

نابغه با تواناییهای موتزارت باشد !

سازهای زهی

(ویولن و ویولنسل و …) : نوازندگی این گروه از سازها را میتوان از سن ۴ سالگی شروع

کرد ولی ۶ سالگی زمان منطقی تری برای شروع آموزش آنهاست .

در سن بزرگسالی بهترین ساز انتخابی چه سازی میباشد

بهترین سنین مناسب برای شروع ساز در کودکان

گیتار :

نوازندگی گیتار را میتوان از حدود سن ٨ سالگی شروع کرد زمان دقیق آن وابسته به اندازه و

میزان کشیدگی و انعطاف دست کودک است .

بادی های چوبی و برنجی :

این گروه از سازها را نباید پیش از روییدن دندانهای اصلی شروع کرد.

آواز :

تمرینات جدی آواز را تا پیش از دوره نوجوانی که صد ا هنوز به طور کامل رشد نیافته پیشنهاد

نمیکنیم .

در همه موارد بالا مسلما کودک باید توانایی درک اعداد و اسامی نتها را داشته باشد.

فواید نواختن موسیقی در تحقیقات دانشگاهی

در مورد فرایند یادگیری موسیقی درکودکان به نکات زیر توجه کنید :

١ – بسیار عالی است اگر شما نیز همزمان با کودک خود اقدام به یادگیری نوازندگی یک ساز موسیقی

کنید و چه بهتر که انتخاب شما همان ساز فرزندتان باشد.

٢ – صبر کنید تا کودکتان برای آموزش آماده شود, برای شروع دروس موسیقی بهتر است تا سن ۵

سالگی صبر کنید مگر اینکه متوجه شوید فرزندتان رگه هایی از نبوغ را داراست.

٣ – در آغاز هر نوع فشار برای نواختن و تمرین را از روی فرزندتان بردارید . با مجبور کردن کودک به ۴

ساعت تمرین در روز تنها عشق او به موسیقی را از بین میبرید.اوایل به کودک خود اجازه دهید هر زمان

که مایل است تمرین کند و در ادامه با ۵ دقیقه در روز شروع کنید و سپس این زمان را آهسته آهسته بالا

ببرید.

مغز نوازندگان سازهای زهی و پیانو چگونه است

حتما توجه داشته باشید که زمان تمرین متناسب با توان ذهنی کودک در تمرکز بر موضوع مورد نظر باشد .

۴ – تا جایی که میتوانید سعی کنید موسیقی را برای کودک سرگرم کننده سازید مثلا اگر خودتان مشغول

نوازندگی هستید از او بخواهید که متناسب با تواناییهایش با شما همراهی کند.

۵ – مطمئن شوید که کودکتان حقیقتا معلم موسیقی خود را دوست دارد در غیر این صورت به سرعت

معلم او را عوض کنید.

۶ – برای کودک خود شرایطی فراهم کنید که بتواند در مقابل دیگران بنوازد نوازندگی در مقابل غریبه ها

به او این امکان را میدهد که بر استرس اجرا چیره شود.

٧– انتظار نداشته باشید که بتوانید نقش معلم موسیقی کودکتان را در منزل بازی کنید چون احتمالا

ناامید خواهید شد.

٨ – در صورت امکان آهنگهایی ساده که مورد علاقه کودکتان است را برای نوازندگی او بیابید…


#آهنگسازی #آهنگسازی_حرفه_ای #آهنگسازی_تنظیم #قیمت_آهنگسازی #استودیو #استودیو_ضبط_صدا #استودیو_حرفه_ای #موسیقی #موزیک #پیانو #گیتار #تنظیم_ترک_موزیک #میکس_مسترینگ