آشنایی و معرفی دستگاه های موسیقی | آهنگسازی و تنظیم

دستگاه همایون

دستگاه همایون یکی از دستگاه‌های هفت‌گانه ردیف موسیقی ایران است.

واژه همایون در فرهنگ عمید چنین معنی شده است: (هُ.یُ) هماگون: خجسته، فرخ، مبارک، فرخنده. و در برهان قاطع چنین نقل شده است: نام معشوقه

همای است، و قصه همای و همایون را به نظم آورده‌اند و مشهور است، و به معنی مبارک و خجسته و میمون هم هست.

این دستگاه به تناسب نام خود، حالتی شاهانه، اشرافی و باوقار دارد، ولی با این حال زمینهٔ اجرای بسیاری از لالایی‌ها و زمزمه‌های متداول در نقاط

مختلف ایران است. همچنین از نغمه‌های این دستگاه در موسیقی زورخانه نیز استفاده می‌شود.

دستگاه همایون با حالت محزون و اسرار آمیز خود گوشه‌های متعددی دارد که گوشه «عشاق» اوج این دستگاه تلقی می‌شود.

بر اساس نظر متافیزیکی استاد مجید کیانی درباره ی موسیقی ایرانی، “همایون” ادامه‌ی روز، تداوم زندگی،اتحاد عشق و عاشق و  معشوق و توحید

است. (مقام توحید در هفت شهر عشق)

از رنگ‌های قدیمی که در خاتمه دستگاه همایون نواخته می‌شوند می‌توان رِنگِ فرح و رنگ شهرآشوب را نام برد. رنگ فرح رنگی است سه ضربی و با وزن

سنگین اما رنگ شهرآشوب دوضربی ترکیبی (شش – هشت) است و با تمپوی متوسط اجرا می‌شود.

از لحاظ مرکب خوانی این دستگاه به دستگاه‌های سه‌گاه و شور ارتباط دارد و وسعت این دستگاه را بیشتر می‌کند.

به دلیل شباهت شور و همایون، با بم کردن نت سوم گام همایون به میزان نیم‌پرده می‌توان وارد شور شد. همایون را می‌توان به دستگاه چهارگاه نیز

ارتباط داد و این کار با افزودن نیم‌پرده به نت ششم گام همایون و کم کردن ربع پرده از نت پنجم که گوشهٔ آواز منصوری را تداعی می‌کند انجام‌پذیر است.

عکس همین عمل و گذر از چهارگاه به همایون نیز در گوشهٔ مخالف دستگاه چهارگاه قابل اجراست.

آلبوم بیداد پرویز مشکاتیان با خوانندگی محمدرضا شجریان از جمله آثار مشهوری است که در این دستگاه ساخته شده‌است.

بیات اصفهان هم آوازی است که از دستگاه همایون گرفته شده است و دارای درجات مشترکی با همایون است. تونیک یا شاهد آن درجه چهارم همایون

است…

---

#آهنگسازی_حرفه_ای #قیمت_هزینه_آهنگسازی_تنظیم #استودیو_موزیک #موسیقی #میکس_مسترینگ #ترانه_ملودی

‍نصيحتهای روبرت شومان (آهنگساز بزرگ آلمانی) در رابطه با تربیت نوازنده | آهنگسازی و تنظیم

🔴 نصيحتهای روبرت شومان (آهنگساز بزرگ آلمانی) در رابطه با تربیت نوازنده

 

👈 متن اين يادداشت را روبرت شومان لابه لاي قطعات يكي از كتابهاي متد آموزش خود نگاشته است، زيبايي وپختگي ديدگاههاي شومان درباره تربيت

نوازنده با شيوه انتقال اين مفاهيم در قالب جملاتي ساده نكات قابل توجه اين يادداشتهاي كوتاه است:

🔹 گوش خود را تربيت كن. اين از همه مهمتر است از سنين نوجواني سعي كن توناليته ها و صداها را تشيخص بدهي. به صداي زنگوله، برخورد دو

شيشه و آواز پرنده گوش بده، هر كدام چه صدايي دارد.

🔹قطعه را نه فقط انگشتانت بايد بلد باشند بلكه تو بايد بتواني آن را بدون ساز براي خودت بخواني.

🔹سعي كن حتي اگر وسعت صداي كمي داري، قطعه را بدون كمك ساز دشيفر كني (بخواني) با اين كار گوش تو دقيق تر مي شود. اما اگر صداي

خوبي داري يك لحظه هم صبر نكن، آن را تربيت كن و مثل هديه با ارزش آسماني بدان.

🔹 تو بايد تا جايي پيشرفت كني كه وقتي موسيقي را با چشم مرور مي كني آن را بفهمي!

🔹 از كودكي به صدا و كاراكتر سازهاي مختلف توجه كن، سعي كن رنگ صدايي خاص هر كدام در حافظه شنوايي ات نقش ببندد.

🔹 گام و تمرين دست را ضميمه كارت كن. خيلي ها فكر مي كنند باتمرين گام و آرپژ مي شود همه چيز رابه دست آورد و تا سنين پيري هر روز ساعات

زيادي را صرف تمرينات مكانيكي مي كنند. كار آنها شبيه اين است كه سعي كنيم هر روز تندتر و تندتر الفبا را تلفظ كنيم. از وقت خودت بيشرين استفاده

را بكن!

🔹 با جديت در گروه كر بخوان. اين كار موزيكاليته را در تو تقويت مي كند.

🔹 عجله كردن وكند كردن در اجرا هر دو به يك اندازه اشتباه است.

🔹 ريتميك اجرا كن! اجراي بعضي ويرتئوزها شبيه تلوتلوخوردن مست ها است. آنها را الگو قرار نده.

🔹سعي كن قطعات ساده را خوب و درست اجرا كني. اين بهتر از آن است كه قطعات سخت را در حد متوسط و معمولي اجرا كني.

🔹 وقتي بزرگتر شدي هر چه مد شد نزن! وقت طلاست. بايد ۱۰۰عمر انساني داشت تا بتوان با انواع موسيقي خوب كه در دنيا وجود دارد آشناشد.

🔹 با شكلات و آبنبات تنها هيچ بچه يي سالم رشد نمي كند! غذاي روح هم مثل غذاي جسم بايد سالم و ساده باشد. بزرگان موسيقي به قدر كافي به

اين غذاي روح پرداخته اند، از آن استفاده كن. قدم به قدم با تمام آثار باارزش همه آهنگسازان بزرگ آشنا شو. ايجاد هر تغييري را در آثار آهنگسازان

برجسته زشت بدان. كم كردن يا از آن بدتر اضافه كردن چيزي مطابق مد روز، بزرگترين

توهيني است كه تو مي تواني به هنر بكني.

🔹 فقط زماني كه فرم برايت واضح باشد محتوا برايت واضح خواهد بود.

🔹هر چه زودتر قوانين اصلي هارموني را ياد بگير.

🔹با دقت به تمام آوازهاي محلي گوش بده اين عالي ترين گنجينه ملودي هاست و تو را با خصوصيات مليت هاي مختلف آشنا مي كند.

🔹با جديت روي فوگ هاي آهنگسازان بزرگ كار كن و قبل از همه فوگ هاي يوهان سباستیان باخ را. «پرلود فوگ هاي» او بايد غذاي هر روز تو باشند تا

كار موسيقي تو پايه و اساس داشته باشد.

🔹 اگر بعد از تمرين روزانه موسيقي ات خسته شدي خودت را مجبورنكن بيشتر كار كني.بهتر است استراحت كني تا اينكه با خستگي و بي علاقگي

تمرين كني.

🔹 هنگامي كه از كار موسيقي استراحت مي كني شعر بخوان و بيشتر به دامن طبيعت برو.

🔹 هميشه طوري بنواز كه انگار يك موسيقيدان بزرگ دارد اجرايت را گوش مي كند.

🔹 اگر همه مي خواستند ويلن اول باشند، اركستر چطور مي توانست شكل بگيرد؟ به همه موسيقيدانها در جايگاه خودشان احترام بگذار.

🔹 تاريخ موسيقي را ياد بگير. شنيدن نمونه هاي موسيقي دوره هاي مختلف بهتر از هر چيز تكبر و پرمدعايي تو را مداوا مي كند.

🔹 دنياخيلي بزرگ است، متواضع باش! تو هنوز كار بزرگي نكرده يي يا چيزي را كشف نكرده يي كه تا حالا ناشناخته بوده و اگر كردي آن را مثل هديه يي

بدان كه تو بايد با ديگران قسمتش كني (ديگران را در آن سهيم كني)

🔹 با سعي وكوشش و پشتكار هميشه مي تواني به درجات بالاتري برسي.

🔹 هيچ وقت شيفته زرق و برق هياهو در اجرا نشو. سعي كن موسيقي همان تأثيري را در شنونده بگذارد كه آهنگساز در نظر داشته، بيشتر از آن لازم

نيست: هر چه از اين بيشتر باشد تحريف است.

🔹 تكنيك فقط وقتي باارزش است كه در خدمت هدف بالاتري باشد.

---

#آهنگسازی #آهنگسازی_حرفه_ای #آهنگسازی_تنظیم #قیمت_آهنگسازی #استودیو #استودیو_ضبط_صدا #استودیو_حرفه_ای #موسیقی #موزیک #پیانو #گیتار#تنظیم_ترک_موزیک #میکس_مسترینگ #ترانه_شعر_ملودی #مقالات_مطالب_موسیقی

اُپرا چیست ؟ Opera موسیقی کلاسیک | آهنگسازی و تنظیم

اپر چیست؟

 

اپرا (Opera ) جمع کلمه لاتینی اپوس (Opus) به معنای «اثر» است و به این تغییر باید اپرا را به طور

تحت اللفظی به «آثار» ترجمه کرد.

اما اپرا به صورت کلمه مفرد مونث از آغاز قرن ۱۷ میلادی به نمایشی گفته می شد که به جای آواز

خوانده شود و این اصطلاح تاکنون برای اینگونه نمایش های آوازی از قرن ۱۴ میلادی به شیوه مادریگال و

ویلانلا توسط خوانندگان دوره گرد (تروبادور Troubadour) اجرا می شد.

اما اپرای واقعی به همت دوتن از اشراف ایتالیا، کنت باردی و دوک مانتوا به وجود آمد. پیشروان اپرا

وینچسو گالیله (۱۵۹۱ ۱۵۲۰) (Vincenzo Galilei) پدر گالیله، فیزیکدان بزرگ، جولیو کاچینی (۱۶۱۸

۱۵۵۰) (Giulio Caccini) و ژاکو پری Jacopo Peri) ۱۶۳۳ ۱۵۱۶) بودند. کاچینی و پری هر دو از خوانندگان

معروف عصر خود بودند و آنها به دعوت گالیله در تصنیف اولین آثار اپرایی شرکت کردند.

گالیله رساله ای در موسیقی به نام «مکالمه موسیقی قدیم و جدید» نوشته بود. او در آثار نمایشی

یونان قدیم سه حماسه یافته بود که به همراهی موسیقی اجرا می شد.

از آنجا نتیجه گرفت که تراژدی های یونانی به صورت رسیتاتیف یعنی کلامی که با موسیقی همراه می

شود، خوانده می شده. این نظریه مورد توجه گروه نوازندگانی که در دربار کنت باردی جمع شده بودند،

قرار گرفت.

کنت باردی برای احیای شیوه قدیم یونان که مورد توجه آن زمان بود موسیقیدانان را مامور کرد تا

نمایشی همراه موسیقیDramma per Musica بسازند اما از آنجا که این گروه سه نفری هیچگونه نمونه

ای از تئاترهای یونانی در دست نداشتند تصور کردند که نمایش های قدیم تماماً به آواز خوانده می شده

است. در حالی که آواز یا ساز یا گفتار دسته جمعی فقط به طور فرعی در تئاتر اجرا می شده و ربطی به

مکالمه تئاتری نداشته است.

به این جهت گروه مامور به خیال تقلید از درام یونانی، اپرا را به وجود آوردند.

نخست، پری به کمک رینو چینی شاعر، متن یک داستان قدیمی یونانی را به نام «دافنه» تهیه کرد و به

موسیقی درآورد. این نمایش با استقبال زیاد مواجه شد طوری که در سال ۱۶۰۰ به مناسبت ازدواج

هانری چهارم و ماریا دی مدیچی اپرای دیگری به او سفارش داده شد.

پری، داستان معروف «ارفه» را برای اپرای دوم خود انتخاب کرد که بار دیگر به نام «نوریدیچه» در

فلورانس به روی صحنه آمد. نوریدیچه اپرایی بود به شیوه رسیتاتیف که در تمام مدت نمایش، لحن و بیان

و مکالمه را از دست نمی داد.

دو سال بعد کاچینی درصدد برآمد همین داستان را به موسیقی درآورد. اگرچه کار او به مراتب ضعیف تر

از پری بود اما برای نخستین بار «آریا» یعنی آواز اصلی اپرایی را در این نمایش به کار برد.با این حال

هیچیک از این دو آهنگساز را موسس اپرا نمی دانند.

کسی که اپرا را به معنای واقعی بنیان گذاشت کلودیو مونت وردی (Claudio Monteverdi)، (۱۵۶۷

۱۶۴۸) بود. مونت وردی در ابتدا با تصنیف قطعات کثیری به شکل مادریگال شهرت یافته بود. این شهرت

باعث شد که دوک وینچنتسو گنزاگا (Vincenzo Gonzaga) او را به سمت رئیس ارکستر درباری برگزیند و

به نوشتن یک اپرا تشویق کند.

اپرا از آغاز پیدایش، نمایش پرخرجی بود. فقط اشراف بزرگ و ثروتمند استطاعت سفارش چنین کار

گرانبهایی را داشتند و به همین علت نیز اجرای یک اپرا در درجه اول، نماینده قدرت و ثروت و شخصیت

فوق العاده کسی بود که آن را سفارش می داد. اگر خانواده مدیچی در فلورانس قدرت نمایش اپرا را

داشتند برای خانواده گنزاگا در مانتورا نیز امکان داشت که چنین نمایشی را در مانتوا به روی صحنه

بیاورند.

به خصوص که دوک گنزاگا خود را نمایش اپرایی نوریدیچه در شب عروسی ماریادی مدیچی حضور

داشت و اهمیت اجرای این نمایش را درک کرده بود.مونت وردی سومین کسی بود که داستان «ارفه و

اوریدیس» را به موسیقی درآورد اما این بار اثر، آزمایشی و تجربی نبود.

بلکه یک اپرای کامل بود که به نام «ارفئو» روی صحنه آمد (۱۶۰۷). مونت وردی برای نوشتن این اپرا

سال های متمادی مطالعه کرد. در اپرای ارفئو تقریباً تمام اصول و قواعد اپرایی رعایت شده و از این حیث

آن را اولین نمونه اپرای کلاسیک می دانند.

مقدمه اپرا با یک اورتور که توسط ارکستر نواخته می شود آغاز می گردد. علاوه بر خواننده تنها در

مواردی نیز آواز دو نفری و سه نفری و دسته جمعی نیز وجود دارد. ارکستری که با خوانندگان همراهی

می کرد در آن زمان ارکستر بزرگی شمرده می شد و شامل سازهای متنوع زهی، بادی و ضربی بود.

ارکستر اپرای پری ۴ ساز داشت اما ارکستر در اپرای مونت وردی به ۳۴ ساز رسید.

---

#آهنگسازی #آهنگسازی_حرفه_ای #آهنگسازی_تنظیم #قیمت_آهنگسازی #استودیو #استودیو_ضبط_صدا #استودیو_حرفه_ای #موسیقی #موزیک #پیانو #گیتار #تنظیم_ترک_موزیک #میکس_مسترینگ